[Expo #4] Take Me (I’M Yours)

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Eh oui, c’est la rentrée, l’occasion pour moi de jouer les bonnes élèves et de faire un maximum d’expositions proposées sur la capitale. Mercredi dernier ouvrait ses portes à La Monnaie de Paris, l’exposition Take Me (I’m Yours). Nous avions décidé de nous y rendre avec une amie, mais, apparemment, le jour d’ouverture est réservé aux personnes possédant des invitations, et rien de cela n’était indiqué que le site. Alors, nous voilà à errer comme des âmes en peine sous la pluie battante pour trouver quelque chose à faire ! Après tout, nous nous étions levées tôt ! Au final, c’est avec un grand plaisir que j’ai pu visiter le musée Eugène Delacroix !

Malgré tout, nous voilà de retour mardi, avec pour but de visiter cette exposition. J’avoue que l’art contemporain n’est pas vraiment mon type d’art préféré. Je me complais dans les courbes classiques de la Renaissance et celle beaucoup moins ténue de la fin XIXe début XXe, néanmoins, j’ai été agréablement surprise. En premier lieu par le concept de l’exposition et ensuite par l’appréciation que l’on peut avoir d’une œuvre. Est-ce que l’œuvre est ce que donne à voir l’artiste en premier lieu, où ce qu’en fait les visiteurs après leur passage ? Une thématique assez intéressante sur l’éphémérité de l’œuvre et sa capacité à changer. Bien loin de mon classicisme de prédilection.

Voici ce que vous propose la Monnaie de Paris :

Dans les murs de la dernière manufacture dans le centre de Paris, l’exposition permet de revenir sur le mythe de l’unicité de l’œuvre d’art et de questionner ses modes de production. À l’image des monnaies, les œuvres sont vouées à la dispersion. Lieu d’interaction entre les visiteurs et les artistes, cette exposition se caractérise par sa forme ouverte et évolutive avec, au moment du finissage, la disparition des œuvres due à leur dissémination totale. Au-delà des circuits économiques habituels, Take Me (I’m Yours) propose un modèle basé sur l’échange et le partage, et soulève ainsi la question de la valeur d’échange de l’art, chère à la Monnaie de Paris.

L’exposition se transforme jour après jour grâce à son public. Elle déborde le cadre des salons d’exposition avec les artistes qui s’emparent de l’application Google pour proposer une visite virtuelle mêlant le passé de l’exposition à la Serpentine à Londres en 1995, le présent à la Monnaie de Paris en 2015, le futur avec les prochaines versions de cette exposition amenée à voyager. Elle s’invite également dans le kiosque d’un bouquiniste en face de la Monnaie de Paris et s’anime chaque jour à travers les gestes des artistes qui surprennent les visiteurs lors d’actions impromptues : avec Etel Adnan, Paweł Althamer, James Lee Byars, Kerstin Brätsch & Sarah Ortmeyer, Gloria Friedmann, Gilbert & George, Fabrice Hyber, Alison Knowles, Otobong Nkanga, Roman Ondák, Sean Raspet, Takako Saito et Daniel Spoerri (pendant l’exposition et de façon plus intense à l’occasion de la FIAC du 22 au 24 octobre).

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Nous voici face à une bien drôle d’exposition, remake de celle de Londres de 1995. Je ne sais pas trop quoi vous dire pour être honnête, cette exposition défie les lois de la nature. Il n’y a pas de « on ne touche pas aux œuvres » ou « on ne prend pas de photo ça détériore le travail de l’artiste », des phrases dont je suis la première à me servir, j’ai une sainte horreur des gens qui touchent aux œuvres ou qui prennent des photos avec flash. Du coup, j’avoue, j’ai un peu perdu mes moyens dans cette exposition où l’artiste fait don de son œuvre, la prendre c’est la faire vivre. L’exposition se métamorphose au fur et à mesure des passages. Oui, je m’en suis donné à cœur joie, j’ai pris tout ce qu’il était possible de prendre. 

C’est une véritable réflexion sur l’art lui-même. Est-ce que l’on peut considérer la Dispersion, cette pile de vêtements créée par Christian Boltanski, déjà créée en 1991 comme de l’art ? C’est avant tout la vision de chacun qui détermine ce qu’est une œuvre d’art. D’ailleurs, ne leur offrons-nous pas une deuxième vie à ses œuvres en les ramenant chez nous ? Moi par exemple, j’ai plein d’idées de ce que je vais pouvoir faire des posters.

Avec toutes ces jolies phrases, c’est mon professeur de philosophie de l’art qui va être heureux. J’ai parfaitement compris la thématique de son cours !

Non, cette exposition a pour but de détourner les artistes du trop grand classicisme que leur imposent les écoles d’art actuelles. Elle a pour but de recentrer les artistes sur une motion de don et de partage qu’il y avait à l’époque de la première exposition et que l’on ne retrouve plus maintenant.

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Dans le dédale dans différentes salles, vous aurez l’occasion de voir et prendre de nombreuses choses, autre les vêtements de Boltanski, une fontaine de pilules, de l’eau de rose et des hosties (le thème religieux reste important, notamment pour la notion de partage et de communion autour de l’art), de nombreux posters et affiches, des tours Eiffel, des cartes postales de Paris, bonbons ou encore morceaux de fémurs en pâte d’amande. Tout un tas d’objets plus insolites les uns que les autres disponible gratuitement, contre deux euros ou via le troc. Voilà, ce que l’on peut trouver dans cette exposition :

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En résumé : Une exposition qui vaut la peine d’être vue au moins une fois. Un concept novateur (pour ceux qui étaient trop jeunes en 1995) ! C’est quand même sympathique de se dire que l’on peut repartir avec des œuvres d’artistes connus, gratuitement, et d’en faire absolument ce que l’on veut ! Je posterais surement en édit une photo de ma création personnelle !

Infos Pratiques : Ouverture du 16 septembre au 08 novembre, tous les jours de 11h à 19h et en nocturne le jeudi jusqu’à 22h. 8€ en tarif réduit et 12€ en plein tarif

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